Music Playlist at MixPod.com

Music Playlist at MixPod.com

The Doors

Music Playlist at MixPod.com

Baladas

Ska y Reggae

Salsa

Merengue

Instrumental

“pagina en construccion“

Oasis es una banda británica de rock formada en Manchester a principios de los años noventa. Estuvo compuesta originalmente por el vocalista Liam Gallagher, el guitarrista Paul Arthurs, el bajista Paul McGuigan y el baterista Tony McCarroll, bajo el nombre de The Rain. Noel Gallagher se incorporó posteriormente como guitarrista y compositor principal, adoptando el actual nombre de Oasis.

Musicalmente sus principales influencias han sido, según ellos mismos, The Beatles, The Rolling Stones y The Who. También han nombrado, entre otros, a The Stooges, The Kinks, The Smiths y Neil Young.^[1]

Debido a las 10 millones de copias vendidas de su álbum debut Definitely Maybe, a las 20 millones de copias vendidas de su segundo álbum (What’s the Story) Morning Glory?, y al hecho de que su tercer álbum Be Here Now es el más vendido en su primera semana en la historia de Inglaterra con 813.000 copias, Oasis se convirtió no sólo en uno de los grupos británicos más importantes de la década de los 90, sino de la historia del Reino Unido. Llevan también lanzados más de 25 sencillos, de los cuales 8 de ellos han alcanzado el puesto n°1 de las listas británicas, y 2 de ellos el puesto n°1 de las listas estadounidenses.^[2]

Los hermanos Gallagher son los líderes y compositores de la banda, y
actualmente los únicos miembros originales. Son reconocidos también por
sus constantes peleas entre sí y con otras bandas y artistas, como Blur y Robbie Williams, las cuales les han generado múltiples apariciones en la prensa sensacionalista.^[3] La alineación actual se completa con el guitarrista Gem Archer, el bajista Andy Bell y el baterista Chris Sharrock.

En el año 2007, la banda fue galardonada con el BRIT Award a la «notable contribución a la música». En agosto de 2007 Oasis comenzó a grabar su séptimo álbum de estudio en Londres, y en enero de 2008 viajó a California para realizar el trabajo de mezcla. Dicho álbum verá su lanzamiento a mediados de 2008.

Rock and roll, rocanrol^[1] o meramente rock^[2] es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de folclore estadounidense (rhythm and blues, country y western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1960.^[3]

El vocablo «rock and roll» fue utilizado por primera vez por Alan Freed, pinchadiscos de una estación de radio en Cleveland, que utilizó el término para titular un programa de radio: Moondog Rock’n'Roll Party.^[4]

//

Rock and roll, rocanrol, rock y música rock

El término rock and roll ha englobado desde siempre todos los géneros musicales que derivan de él al ser la primera vertiente exitosa y término predominante.^[4] Pero posteriormente, debido a la creciente popularidad de muchos de esos géneros derivados, se ha creado un término puramente contemporáneo para englobarlos y distinguirlos del rock and roll original, sustituyendo la función semántica que venía cumpliendo el término rock and roll, y que aparece a partir de la contracción de éste (rock):^[5] la música rock.^[6] Por lo que rock and roll es el sinónimo histórico de música rock y todos los géneros englobados en música rock derivan de él de forma directa o indirecta.^[4]

De esta forma, la contracción rock deriva del término rock and roll, y hoy día conserva dos significados según la Real Academia de la Lengua Española: un género musical característico y popularizado en los 50^[7] (que se corresponde con la definición de rock and roll^[3] ) y cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll,^[7] (que sería la definición del género contemporáneo música rock, y que históricamente vino cumpliendo el término rock and roll). Sin embargo, independientemente en la práctica existen muchos artistas dentro de la música rock que, sin realizar rock and roll de los 50, continúan denominando a su música “rock and roll”.

Por otro lado, aunque el diccionario de la lengua española en su vigésima segunda edición reconoce el término rock and roll como voz inglesa a modo de anglicismo,^[3] en el avance de la vigésima tercera edición el artículo ha sido enmendado tomando rocanrol como término en español derivado del inglés.[1

Historia

Primeros cantantes y orígenes

Elvis Presley en la Casa Blanca en 1970

Orígenes del rock and roll

En la década de 1960, en Estados Unidos, los adolescentes buscaban nuevos sonidos, nuevas sensaciones. Por primera vez, una música se dirigía directamente a ellos: el rock and roll

En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cánticos religiosos y ritmos propios que marcaban los días de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces. A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacían presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se materializó en el blues, el cual se convertiría en el ingrediente musical que más tarde revolucionaría la música a nivel mundial. Por otro lado también la influencia de los músicos blancos a través del género musical denominado country y la aparición de la guitarra eléctrica daría nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues, padre del rock and roll. Uno de sus precursores fue Muddy Waters en 1949.

El término rock and roll empezó a utilizarse para aminorar musicalmente el popular ritmo rhythm and blues, el cual denotaba en demasía las luchas raciales para la época, y aunque en esencia los dos géneros musicales representaban lo mismo, se quiso diferenciar uno del otro para dar paso a los cantantes blancos y a la música que no mencione el conflicto racial.^{[cita requerida]}

El rock and roll (o rocanrol) emergió como un género musical definido en Estados Unidos en la década de 1960. Los inicios del rock and roll combinan elementos del blues, boogie woogie, y jazz con influencias de la música folclórica Apalache, gospel, country y western especializado. Muddy Waters muchas veces ha sido acreditado como el músico que “pavimentó” el camino hacia el rock and roll.

Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley’s Comets, especialmente con Crazy man crazy (1954) y su gran éxito Rock around the clock (1955), que tanta influencia tendría en John Lennon. Otros consideran como creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del comienzo del rock and roll a 1954, año en el que Presley editó su primer disco. Entre los músicos destacados de la época se pueden citar a Little Richard, Bo Diddley, Fats Domino, Buddy Holly, Gene Vincent entre otros.

Desarrollo y evolución

Chuck Berry

A partir de los años 60 el rock and roll tuvo un importante desarrollo y evolución que se expresó a través de una gran cantidad de bandas y variedad de ritmos y estilos que convirtió el rock and roll en un fenómeno cultural y musical que se extendió alrededor del mundo. El estilo es una conjunción rítmica que se cimenta esencialmente sobre la música negra. La popularización del rock and roll sirvió para que muchos músicos, pudiesen expresarse y llegar a difundirse en medios locales y nacionales. Esa es la historia de muchos rockeros negros, como el mismo Chuck Berry, quien plasma la realidad social de su entorno en la canción “Johnny B. Goode”.

No es sino a partir de los años 1970, cuando el rock and roll decae y deja de ser el ritmo que representaba a los jóvenes rebeldes en los 60, dando paso al género denominado rock o música rock, que marcaría un hito entre la naciente generación joven de los 70.

Sin embargo, del rock and roll nacieron distintos subgéneros como el rockabilly, doo wop o el hard rock, y fenómenos como el de los Teen Idols o los Girl Groups, estos últimos patrocinados principalmente por Phil Spector^[8] y de él han derivado géneros como el heavy metal, el garage rock, el punk rock, el rock progresivo o el glam, y entre todos ellos siguen existiendo elementos comunes provenientes del rock n’ roll. Así, Lennon definió al Glam, como “rock n’ roll con pintalabios”, y a algunos artistas de hard rock o heavy metal como Motörhead o AC/DC les agrada definirse como músicos de rock n’ roll.

Análisis musical

En sus inicios y en el estado menos evolucionado, el rock and roll fue un estilo de música sin ninguna influencia blanca,^{[cita requerida]} que se sirvió de las nuevas técnicas de amplificación de guitarra para comenzar a darle el rol fundamental que lo caracterizaría el resto del siglo. Aparte de la guitarra, la batería y el piano fueron elementos igualmente fundamentales.

La progresión de acordes es originaria del blues, es decir, Fundamental – Subdominante – Fundamental – Dominante – Subdominante – Fundamental; pero el tempo es elevadisímo, además incluía arreglos y voces para secciones de metal y coros.

La improvisación también juega un papel dentro del género, utilizando la escala pentatónica con un par de alteraciones, lo que pasará a ser conocido posteriormente como “escala de blues“.

Fuentes

• Frith, Simon; Straw Will y Street, John (2006). La otra historia del rock. Barcelona: Robinbook. ISBN 84-96222-52-7.
• Bergamini, Andrea (2006). El rock y su historia. ISBN 84-934230-7-6.
• Fernández Marcos, Lois (2006). Historia del rock and roll. Vigo: Cardeñoso. ISBN 84-8190-420-1.
• Abad Morales, Luís Ángel (2002). Rock contra cultura. Madrid: Biblioteca Nueva. ISBN 847030591.

• Wikipedia, La enciclopedia libre

The Doors fue un grupo de rock-blues, formado en Los Ángeles (California, Estados Unidos) en julio de 1965 y disuelto en 1973, que junto con bandas como Jefferson Airplane y Grateful Dead, se convirtió en los máximos exponentes de la psicodelia de los 60′s.

Miembros

• James Douglas Morrison (Jim Morrison)1943 – 1971, Vocalista.

• Raymond Daniel Manzarek (Ray Manzarek)1939 – , Tecladista, Bajista ocasional.

• Robert Alan Krieger (Robby Krieger)1946 – , Guitarrista, Armonica.

• John Paul Densmore (John Densmore)1944 – , Baterista.

Historia

Orígenes: 1965 – 1966

En 1964, en la playa de Venice, Jim Morrison, encontró a un viejo compañero de la Universidad de UCLA, Ray Manzarek, cuatro años mayor que él. Ahí mismo comenzaron una casual plática, y Morrison le dio a leer a Manzarek la letra de Moonlight Drive, una canción que Jim acababa de escribir, entonces Ray le pidió a Jim que le cantara el tema, con el cual Manzarek quedó fasinado, y decidió unirse a su banda.

Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychedelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997.

Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: “If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite.” (Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception,.

The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso bajo Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan.

Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de “Hello, I Love You” esa misma noche, refiriéndose a ella como la “joya oscura” (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks‘ 1965, “All Day and All of the Night,” y el vocalista de este grupo, Ray Davies, demandó a The Doors.

Para 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y ese mismo año se cambió al prestigioso Whisky a Go Go.^[1] El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vió debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. El 18 de agosto, después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra. Así empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de “The End“, que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte “edípica” de la canción, “Mother? I want to fuck you”.

1966–1971 [editar]

1966-67: The Doors

El LP homónimo de The Doors, lanzado en enero de 1967, causó sensación en los círculos musicales. En este disco aparecían muchas de las grandes canciones de su repertorio, incluyendo el drama musical, “The End“. La banda, habiendo tocado las canciones durante los dos años anteriores y teniendo sistematizada las mismas, grabó el álbum en un par de días, a finales de agosto y principios de septiembre de 1966, casi enteramente en vivo en el estudio y muchas canciones en una sola toma. Morrison y Manzarek también dirigieron una innovadora forma de promocionar su primer single, “Break On Through”, filmando un video promocional, un significativo avance en el género de los vídeos musicales.

Su segundo single, “Light My Fire“, puso al grupo junto con Jefferson Airplane y The Grateful Dead entre los mejores nuevos grupos estadounidenses de 1967. La versión sin el largo solo de teclado y guitarra se lanzó en abril, pero no alcanzó la cima si no hasta julio.

En mayo de 1967, el grupo hizo su debut nacional grabando una brillante versión de “The End” para la CBC en los Yorkville Studios, en Toronto (Yorkville era la versión canadiense del Haight-Ashbury). Esta versión permaneció inédita hasta la salida del DVD “The Doors Soundstage Performances” a principios de los años 2000.

Rápidamente la banda ganó reputación con un estimulante, revoltoso y entretenido acto. Con su buena pinta, presencia magnética y sus pantalones de cuero, Jim Morrison se volvió un ídolo rock y un “sex symbol”, aunque se veía limitado con las restricciones morales del estrellato. Antes de su presentación en el “Show de Ed Sullivan” los censores de la CBS exigieron a Morrison que cambiara la letra de Light My Fire, en la línea “Girl, we couldn’t get much higher” (Nena, no podríamos habernos elevado más), por la posible referencia a las drogas, 15 minutos antes de que la banda se presentara el 17 de septiembre de 1967. Morrison les preguntó qué es lo que debería decir en vez de “higher”, y de respuesta recibió que él era el poeta y algo se le tenía que ocurrir. Robby Krieger presa del nerviosismo preguntó a Morrison de qué forma cambiaría la letra y Jim decidió no hacer cambio alguno. Morrison cantó la línea original y se presentó en la televisión en vivo, con una CBS sin capacidad de pararlo. Ed Sullivan, furioso, se negó a estrecharle las manos a los miembros de la banda, y nunca más fueron invitados. Al escuchar que no volvería, Morrison respondió, “We just did the Ed Sullivan Show“[1] (Simplemente hicimos el Show de Ed Sullivan)- para la época, una aparición de ese estilo generaba toda una gama de sucesos. Morrison insistió que el nerviosismo causó que olvidara cambiar la línea como excusa. También presentaron un nuevo single, “People Are Strange“, el cual repitieron para el Show del DJ “Murray The K” el 22 de septiembre.

Morrison fomentó su fama de rebelde cuando, el 10 de diciembre fue arrestado en New Haven, por hablar mal sobre la policía al público. Morrison dijo que un celoso oficial le había lanzado gas lacrimógeno al sorprenderlo con una chica en los bastidores. El grupo terminó un exitoso año. El 24 de diciembre la banda grabó “Light My Fire” y “Moonlight Drive” en vivo para el Show de Jonathan Winters. Del 26 al 28 de diciembre, el grupo tocó en The Winterland San Francisco. Tocaron sus dos últimas fechas del año en Denver, el 30 y 31 de diciembre, coronando un año de giras casi constantes.

1967: Strange Days

Ray Manzarek, teclado

Strange Days fue el segundo LP de The Doors, lanzado en septiembre de 1967. Recibió un disco de oro y llegó al #3 del Billboard. Sin embargo Paul Rothchild, el productor, lo consideró un fracaso comercial, por más que hubiese significado un triunfo artístico:

Contrariamente a este punto de vista, uno podría discutir que el álbum igualmente tuvo buenas ventas, consiguiendo dos top 30, un top 3 en los charts norteamericanos y una certificación de platino.

“Strange Days” consiste parcialmente de canciones que no se incluyeron en el trabajo debut. Este álbum impone un sentimiento extraño y bizarro, conteniendo algunas de las canciones más psicodélicas de The Doors. Incluye canciones como “Strange Days”, “People Are Strange”, “Love Me Two Times” y “When the Music’s Over”, siendo ésta un poema épico comparable a la famosa “The End”.

El álbum también incluye “Moonlight Drive”, que fue una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors. Había sido grabada en 1965 (demo) y en 1966 (con la intención de incluirla en el primer álbum). En 1967 la versión final fue grabada y lanzada en “Strange Days”.

El álbum fue #3 en Estados Unidos en 1967 y es el número #407 en los Mejores 500 Albums de Todos los Tiempos de la Rolling Stone. “People Are Strange” llegó al #12 en el chart de los Estados Unidos y “Love Me Two Times” la siguió, consiguiendo un respetable #25, probando la consistencia de The Doors luego del suceso de su álbum debut.

1968: Waiting for the Sun

Robby Krieger, guitarra

Las sesiones de grabación para el tercer álbum que tuvieron lugar en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos a la intemperie, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fans y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo.

La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, Waiting for the Sun, cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir material nuevo. Se volvió su primer LP #1, y el single “Hello, I Love You” fue su segundo y último single #1 en los Estados Unidos.También incluye la canción “The Unknown Soldier“, del cual dirigieron otro videoclip, y “Not to Touch the Earth”, extraído de su legendaria pieza conceptual, Celebration of the Lizard, aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de Grandes Éxitos, y en su disco Absolutely Live.

Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en New York, realizaron su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el Teatro The Roundhouse. Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado The Doors Are Open y luego sacado en video a la venta. La banda toco algunos conciertos mas en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes.

El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso single, “Touch Me” (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el nº 3 en los Estados Unidos.

Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a al la libertad. Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, resultando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión “Rock is Dead”, a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison.

El incidente ocurrió el 1 de marzo de 1969, en el Dinner Key Auditorium en Miami, Florida. El auditorio de 6.900 asientos había sido sobrevendido hasta doblar la capacidad del salón, y los fans estaban sofocados y sin aire acondicionado. Desde el momento en que la banda caminó por el escenario, Morrison empezó a gritar al micrófono:^[2]

Después de unos minutos Morrison cambió el tono:

La grabación se acerca su final con las siguientes palabras:

El incidente queda inconcluso. Morrison dijo: “Gasté mucho tiempo en el juicio de Miami. Casi un año y medio. Pero supongo que fue una valiosa experiencia porque antes del juicio tenía una mirada infantil y poco realista acerca del sistema judicial Americano. Mis ojos se han abierto un poco.”

Aunque el incidente de Miami dañó la reputación de la banda, Morrison quedó algo tranquilizado con sus resultados. Luego dijo: “Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando alrededor mío.. y a eso le puse fin en una gloriosa tarde”.

Aunque Morrison recibía gran parte de la atención, incluyendo su imagen en las carátulas de los discos, para él era categórico que todos los miembros de la banda debían recibir igual reconocimiento. Antes de un concierto en el cual el animador anunció el grupo como “Jim Morrison y The Doors”, Morrison se negó a aparecer hasta que se anunciara al grupo de nuevo como “The Doors”. Mientras Morrison nunca se sintió cerca de su familia real, era extremadamente protector con los miembros de su banda. Según se dice, una vez le dijo a Ray Manzarek que nunca se sentía cómodo en una situación social a menos que éste u otro miembro de la banda estuvieran con él. De algún modo veía a The Doors como su familia de reemplazo. Sistemáticamente rechazó cada oportunidad de grabar un álbum como solista que se le ofrecía, y después de su muerte los miembros de la banda se negaron a reemplazarlo.

En sus últimos dos años de vida, Jim Morrison redujo su uso de drogas psicodélicas y empezó a beber excesivamente, lo que afectó pronto a su rendimiento en el estudio. Aparentemente para escapar de la imagen del “Rey Lagarto”, que lo había dominado, Morrison se dejó crecer una abundante barba, obligando a Elektra a usar fotos tomadas anteriormente en su carrera para la carátula de Absolutely Live , lanzado en 1970. El álbum presenta actuaciones grabadas en el tour de The Doors de 1970, el concierto de 1969 en el Aquarius Theatre e incluye una versión completa de “The Celebration of the Lizard.”

La única aparición pública de este tiempo fue en un especial televisivo de la PBS grabado en Abril, y transmitido el mes siguiente. El grupo tocó canciones del siguiente álbum, The Soft Parade, incluyendo una espléndida versión de la pista con el mismo nombre.

El grupo continuó con su gira en el Teatro del Chicago Auditorium Theater el 14 de junio, y tocó dos fechas en el The Aquarius Theatre en Hollywood el 21 de julio y 22 de julio, ambas lanzadas más tarde en CD. Fueron un nuevo tipo de conciertos de The Doors, donde el énfasis estaba puesto en la banda y la gente pasándolo bien. El barbudo Morrison usaba ropa más holgada y guiaba la banda hacia una dirección más “Blues”, con canciones como “Build Me A Woman”, “I Will Never Be Untrue”, y “Who Do You Love”. Todavía su voz no perdía su poder, y la banda todavía podía deslumbrar con sus presentaciones de “When The Music’s Over” y “Celebration of the Lizard.”

1969: The Soft Parade

Su cuarto álbum, The Soft Parade, estrenado en Julio, distanció aún más al grupo del “undergound”, con canciones extremadamente pop, y con arreglos en el bronce muy al estilo de Las Vegas (en el single “Touch Me” participó el saxofonista Curtis Amy). Los excesos con el alcohol de Morrison lo hacían por aquel entonces una persona muy difícil y muy informal en el estudio, y las sesiones de grabación se estiraban por semanas, cuando antiguamente duraban un par de días. Los costos del estudio se empezaron a acumular, y el grupo estuvo a punto de desintegrarse.

Los detractores de este álbum ven en él a una banda esforzándose por mantenerse en la ola y tratando de expandir su sonido con instrumentos de bronce y cuerdas, resultando en un sonido débil y sobreproducido.

En su defensa, The Soft Parade fue un exitoso experimento en “quasi-prog-pop”, a pesar del errado comportamiento de Morrison y las numerosas dificultades técnicas. Las canciones orientadas más hacia lo comercial, como “Touch Me” o “Tell All The People”, resultaron todo un éxito; y pistas como “Wild Child” o “Shaman’s Blues” son reveladoras e imaginativas como siempre, con excelentes guitarras y líricas.

Durante la grabación de su siguiente álbum, en noviembre de 1969, Morrison se vio en problemas con la ley nuevamente, después de quedar ebrio y comportarse agresivamente con el personal de una aerolínea mientras viajaban a Phoenix para ver a The Rolling Stones en concierto. Fue absuelto en abril, después de que un auxiliar de vuelo identificara erróneamente a Morrison como su compañero de viaje, el actor norteamericano Tom Baker.

1970: Morrison Hotel

El grupo remontó fuertemente de nuevo con su LP Morrison Hotel. Este se distingue por un sonido consistente y pesado, el álbum abre con el memorable “Roadhouse Blues”, caracterizando el alto espíritu de seguridad del álbum entero. También tiene temas como “Indian Summer” muy tranquilos y suaves que nos recuerda al famoso “The End” de su primer álbum y piezas tan destacadas como “Peace Frog” que The Doors nos muestran que todavía saben sonar duro en el rock clásico de los 60. Morrison Hotel tenía un optimismo que la banda nunca había visto, presentando un par de canciones de celebración y algunas baladas de amor. Alcanzó el nº 4 en los Estados Unidos.

Aunque Morrison enfrentaba procesos en Miami en agosto, el grupo se las arregló para ir al Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970. En el festival, la banda tocó al lado de artistas legendarios, como Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell, Miles Davis y Sly & The Family Stone. Dos canciones del show fueron presentadas en el documental de 1995, Message To Love .

El 16 de septiembre, Morrison fue a los tribunales, y el jurado lo declaró culpable por obscenidades y escándalo público el 20 de septiembre. Fue sentenciado a ocho meses de custodia, pero obtuvo la libertad mediante una apelación.

El 8 de diciembre de 1970, en su vigésimo séptimo cumpleaños, Morrison grabó una sesión de poesía, que se editaría más tarde como el disco An American Prayer.

1971: L.A. Woman

Durante la última actuación pública de the Doors, en el “Warehouse” en Nueva Orleans, Louisiana, el 12 de diciembre de 1970, Jim Morrison tuvo una aparente crisis nerviosa, tirando el micrófono al piso repetidas veces. No obstante, el grupo volvió a tener un último gran éxito con el magnífico L.A. Woman en 1971. La idea de este álbum era volver a las raíces del Blues y el R&B, aunque durante los ensayos el grupo tuvo serios percances con Rothchild, que denominando al nuevo repertorio “música de cóctel” renunció a la producción del álbum y dejo el control a Bruce Botnick. El resultado fue considerado un verdadero clásico, presentando uno de los materiales más fuertes desde su debut en 1967. Otros sin embargo consideran que cerca de la mitad del álbum es un blues apagado, sin brillo, que le resta calidad al resultado final. Tal vez por esto, la canción “Changeling” es considerada la mas subestimada de la banda. “Riders On The Storm”, se convirtió en una pieza clave de la programación de cualquier radio de rock durante décadas.

La muerte de Morrison y sus secuelas: 1971 – 1989

El 1971, después de la grabación de L.A. Woman, Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó a París con su novia, Pamela Courson, en marzo. Lo había visitado el verano pasado y, por un tiempo, pareció contento con escribir y explorar la ciudad. Pero luego volvió al alcohol y cayó de un segundo piso en mayo. El 16 de junio grabó sus últimas grabaciones conocidas, cuando conoció a dos músicos callejeros y los invitó a un estudio. Los resultados fueron estrenados en 1994 en el LP pirata, The Lost Paris Tapes.

La tumba de Jim Morrison en el cementerio Père-Lachaise (París), lugar de peregrinación para fans de todo el mundo

Morrison falleció en confusas circunstancias el 3 de julio; su cuerpo fue encontrado en la bañera. La conclusión fue que murió por un ataque al corazón, aunque se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado en el Cementerio Père-Lachaise el 7 de julio. Una versión bastante difundida menciona que el deceso de Morrison se produjo por sobredosis en un bar Parisino llamado “Rock n’ Roll circus”, más precisamente en los baños del lugar donde el vocalista habría fallecido después de encerrarse para ingerir heroína, siendo su cuerpo trasladado por conocidos a la bañera de su casa. Supuestamente se le habría intentado reanimar allí con agua fría sin éxito. El forense, en su informe oficial, describió el cadaver del cantante como el de “alguien de más de 50 años y 1.90 m. de altura” (Jim en realidad tenía 27 años y su talla oscilaba entre 1.75 m. y 1.78 m., sin sus botas tejanas puestas), lo que nos brinda clara muestra de una negligencia médica que, probablemente, incrementó el mito que rodea la muerte de Morrison. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición.

Durante los años siguientes a su muerte, persistían algunos rumores de que Morrison había fingido su muerte para escapar del estrellato, o que había muerto una noche en un bar, y su cuerpo fue llevado furtivamente a su apartamento. Sin embargo, el antiguo socio de Morrison, Danny Sugerman, en su libro Wonderland Avenue, asegura que en su último encuentro con Courson, que tuvo lugar poco antes que su muerte por sobredosis, ella le confesó que introdujo a Morrison en la droga, porque el sufría de miedo a las agujas, y ella le habría inyectado la dosis que lo mató.

Los miembros restantes continuaron por algún tiempo. Inicialmente se había pensado reemplazar a Morrison con un nuevo cantante, y se reportó que podría ser Iggy Pop. Al final, Krieger y Manzarek tomaron el lugar de Morrison cantando y lanzaron dos álbumes, Other Voices y Full Circle, y se fueron a gira.

Ambos álbumes vendieron bien, pero no como en la época de Morrison, y the Doors dejó de tocar y grabar a finales de 1972. Mientras que el primer álbum es indudablemente del estilo de The Doors, el segundo se expandió al territorio del jazz. Mientras que ningún álbum fue vuelto a editar en CD en los Estados Unidos, han sido estrenados en 2-en-1 en Alemania y Rusia.

Los Doors restantes grabaron un tercer álbum post Morrison, An American Prayer, en 1978, que proveía de música de respaldo a algunas grabaciones de Morrison recitando su poesía. El álbum fue un éxito, y se vio seguido por un mini-álbum de material en vivo no estrenado. Su perfil se mantuvo alto en los años 1980 gracias a que había una considerable cantidad de grabaciones en color de sus conciertos y actuaciones en TV, y el advenimiento de MTV y el género de los videoclips introdujo a las audiencias jóvenes a la música de The Doors, ya fuera mediante los vídeos grabados en sus conciertos, o los originales producidos por la misma banda en los 60.

En 1979, Francis Ford Coppola estrenó Apocalypse Now con “The End” usada en la banda sonora, llevando a nuevos fans a descubrir The Doors. En 1983 se estrenó Alive, She Cried que incluía una versión cover de Gloria de la banda Them.

Los años 1990 y después

En 1991, el director Oliver Stone estrenó su película The Doors protagonizada por Val Kilmer como Jim Morrison, y algunos cameos de Krieger y Densmore. Algunos de que habían sido involucrados para interpretar a Morrison, eran:John Travolta, Jason Patric, Keanu Reeves, Michael O’ Keefe, Gregory Harrison, Michael Hutchence (INXS) y Bono (U2). Aunque todo el mundo quedó impresionado por la imitación de Kilmer, el filme contenía numerosas equivocaciones. Los miembros de la banda criticaron el retrato de Stone a Morrison, que lo hacía parecer en ocasiones un psicópata fuera de control, en lugar del poeta rockero y sentimental que era.

En 2002 Manzarek y Krieger se reunieron y crearon una nueva versión de The Doors, llamada “The Doors of the 21st Century”. La nueva alineación estaba conformada por Ian Astbury como vocalista, y Angelo Barbera de la banda de Krieger en el bajo. En su primer concierto dieron a conocer que el batería John Densmore no iba a tocar. Luego se supo que no estaba capacitado para tocar porque sufría de tinnitus. Densmore fue reemplazado originalmente por Stewart Copeland, antes miembro de The Police, pero Copeland se rompió el brazo en una caída de su bicicleta. Finalmente fue reemplazado por Ty Dennis, el baterista de la banda de Krieger.

Luego Densmore reclamó que él nunca fue invitado a tomar parte de la nueva reunión del grupo. En febrero de 2003, llenó una orden legal para evitar que sus ex compañeros usaran el nombre de “The Doors of the 21st Century”. Su moción fue denegada en mayo de ese año, aunque Manzarek publicamente declaró que Densmore seguía invitado a formar parte del grupo. Más tarde se supo que la familia de Morrison, junto con Densmore, continuaron buscando la manera de evitar que usaran el nombre The Doors. En julio de 2005, la banda se cambió el nombre a “D21C”. Ahora tocan bajo el nombre de Riders on the Storm, el cual también es el nombre de una banda tributo del noreste de Estados Unidos. Están autorizados a tocar bajo nombres como “antiguos Doors”, y “miembros de The Doors”. Densmore ha estado firme en impedir la licencia de canciones de The Doors para su uso en comerciales de TV, incluyendo una oferta de 15 millones de dólares por parte de Cadillac para usar “Break on Through (to the Other Side)“, diciendo que esta sería una violación al espíritu en cual la música fue creada. Densmore escribió acerca de esto para el diario The Nation:

Manzarek y Krieger mantienen que seguir en giras es una resurrección de the Doors, y que otorgar licencias para hacer publicidad con la música es salvar a The Doors de caer en la historia. Manzarek fue citado diciendo:

The Doors son recordados por sus chamanísticas interpretaciones. Sim embargo, algunos miembros de “la clase dirigente” sentían que la música de la banda no era más que música de rebeldes norteamericanos. Jim Morrison dijo:

Su popularidad sigue viéndose reflejada en las continuas ventas de su trabajo.

Una ola de actividades se anunciarón para 2006 con motivo del 40 aniversario del primer álbum de la banda. Vio la luz otro box-set de las grabaciones de estudio, un libro: “The Doors by The Doors” y el inicio de la producción de un documental autorizado acerca del grupo. The Doors junto con Grateful Dead y Joan Baez recibieron un premio por su éxito en la edición 2007 de los Grammy Awards.

Estilo

El estilo musical de la banda se basa en una mezcla de blues y psicodelia. El teclista aporta elementos de música clásica y del blues (por la influencia de sus padres); el guitarrista, del flamenco y el baterista, del jazz. Las letras del grupo, compuestas principalmente por Jim Morrison, se apartan en buena medida de las convenciones del pop de su época. En los textos de los primeros discos (The Doors, Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis. Es destacable en referencia a lo anterior el gusto de Jim Morrison por la poesía de los simbolistas franceses, como Rimbaud o Verlaine. En los últimos discos, como L.A. Woman, la lírica de Morrison evoluciona hacia letras más sencillas e inmediatas, al estilo del blues.

Filosofía

La ambición original de The Doors es integrar satisfactoriamente elementos de diversas artes, entre ellas la poesía, el teatro y, desde luego la música tratando de representar la vida común y siempre tratar de aprovecharla. Morrison y Manzarek consideraban que el rock podía convertirse en una nueva religión dionisíaca, que ofreciera al público una experiencia comparable a la tragedia griega o el éxtasis chamánico. Aquí se percibe la influencia que tuvo para la banda y, en concreto para Morrison, la lectura de la obra de Friedrich Nietzsche.

Discografía

Álbumes de estudio

Álbumes en vivo y Compilaciones

Fuente:
Wikipedia, La enciclopedia libre

Music Playlist at MixPod.com

Tears for Fears es una banda musical de Soft-Rock y New wave fundada por Curt Smith y
Roland Orzabal en 1981. Su estilo es muy variado y evidente en cada una
de sus producciones musicales que se han mantenido vigentes. Sus
principales influencias musicales han sido The Beatles, Human League y
Duran Duran, aunque también han llegado a sonar con similitud con
Supertramp y Spandau Ballet.Canciones como “Everybody Wants to Rule the World”, “Shout” y Sowing
the Seeds of Love” convirtieron a Tears for Fears en uno de los grupos
más importantes de los años ’80, y en uno de los grupos más reconocidos a nivel mundial.

Tears for Fears ha sido un grupo con ideas concretas que han ido plasmando a lo largo de su historia en letras que tienen que ver con la humanidad y sus problemáticas, los trastornos psicosociales, el amor por la vida entre otros incluyendo tendencias políticas propias de momentos específicos. Tienden al uso de instrumentos electrónicos, en un estilo Synth Pop. Han incurrido también en el estilo de rock progresivo y jazz, logrando grandes baladas como “Woman in Chains”.

Sus estilos van del Soft-Rock, al New Wave hasta un ligero toque de Jazz en su producción “The Seeds of Love” de 1989, producciones “Elemental” (1993) y “Raoul and The Kings of Spain” (1995).

Siempre fueron un grupo más ambicioso y destacado que el resto de la oleada de bandas que surgieron a finales de la década de los 70´s y principios de los 80′s como Duran Duran, Depeche Mode entre otros. Las ventas de sus primeras 3 producciones (1983-1989) han superado las 20 millones de copias alrededor del mundo y fueron considerados el mejor grupo musical de 1985 gracias a temas como “Everybody Wants to Rule the World” y “Shout”, ganándose un puesto entre las bandas más destacadas de la música de los 80s y 90s. Precisamente es el disco “Songs from the Big Chair” el éxito más grande que tuvieron en su carrera, y que los consagraría a mediados de la década de los 80s.

//

Origen

Roland Orzabal y Curt Smith, fundadores de esta banda inglesa se conocieron en su ciudad natal Bath, Inglaterra a principios de la década de los años ochenta cuando estudiaban en el mismo colegio. Desde que descubrieron el uno al otro su afinidad por la música y las propuestas similares en conceptos y proyecciones decidieron formar un grupo llamado Tears for Fears en 1981, aunque como antecedente Roland Orzabal y Curt Smith ya habían formado una banda a finales de los años setenta, “Graduate”, que tras la estela del primer sonido “ska” de “The Specials”, “The Selecter”, “Madness”, “The Akrylykz” o “Bad Manners” no tuvo mayor consideración, si exceptuamos el tema “Elvis should play Ska”.

En el año 2003 Roland Orzabal y Curt Smith decidieron regresar a trabajar juntos en la nueva producción de la banda que había sido lidereada solamente por Orzabal cuando Smith decidió alejarse de Tears for Fears en 1991.

Para el 2004 sacaron su producción “Everybody Loves a Happy Ending” retornando a su sonido característico de influencia post Beatles, haciendo un sonido interesante y que los han vuelto a colocar en la escena musical. En la cual estaba su famosa canción Closest Thing to heaven, uno de sus mayores exitos.

Miembros

• Roland Orzabal – Vocal, guitarra
• Curt Smith – Vocal, bajo

Discografía [editar]

• The Hurting (1983)
• Cape Fear – Manchester ’85 (1985)
• Songs from the Big Chair (1985)
• The Seeds of Love (1989)
• Tears Roll Down (Greatest Hits 82-92) (1992, grandes éxitos de 1982-1992)
• Elemental (1993)
• Raoul and the Kings of Spain (1995)
• Saturnine Martial & Lunatic (1996)
• Shout: The Very Best of Tears for Fears (2001)
• Everybody Loves a Happy Ending (2004)

Links

Página oficial: http://www.tearsforfears.net/site.html

Fuente:

Wikipedia, La enciclopedia libre

Pink Floyd – The Dark Side of The Moon

Pink Floyd – The Dark Side of The Moon, Es un disco conceptual y el noveno album de la banda de rock progresivo britanica Pink Floyd, Fue lanzado el 17 de marzo de 1973 en Estados Unidos y el 24 de marzo en el Reino Unido, Alan Parsons estuvo a cargo de la ingenieria del disco que se hizo notable por su superioridad y el uso de Música Concreta con letras filosoficas, algunas de las cuales se convirtieron en parte del repertorio habitual de Pink Floyd, es considerado un punto de referencia en la música contemporanea y usado por algunos críticos como uno de los puntos en los que se da la union entre lo Clasico, El Blues Rock, y los nuevos géneros, derivados de la Música Electrónica.

The dark side of the moon es considerada habitualmente por muchos criticos y fans como la “Obra Maestra” de Pink Floyd y su Álbum definitivo, En 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto 43 entre los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, En 2006 fue votado como “Mi Álbum Favorito” por los oyentes de Australian Broadcasting Corporation.

Récords de venta y trascendencia

Desde que fue lanzado en 1973 se convirtió en uno de los diez discos más vendidos de todos los tiempos, y está listado en el libro Guinness de Récords, por haber estado en las listas de popularidad durante más tiempo que ningún otro álbum, 591 semanas u 11,4 años en la lista de Billboard de los 200 discos más vendidos, con un total aproximado de 14 años (741 semanas), y de vuelta a las listas de Billboard donde ha permanecido durante más de 26 años. En Estados Unidos está en el puesto #21 de los discos más vendidos. El 5 de mayo de 2006, El Lado Oscuro De La Luna alcanzó un combinado total de 1500 semanas en las listas Billborad 200 y Pop Catalog.

Mundialmente el disco ha vendido más de 40 millones de copias, en 2004 el promedio de ventas es de 8000 copias por semana. Un total de 400.000 copias vendidas en el año 2002 lo posicionan en el puesto #200 de los discos más vendidos ese año, a casi tres décadas edición inicial en 1973. Se estima que en Estados Unidos, una de cada 14 personas menores de 50 años de edad posee una copia del disco.

Lista de canciones

1. “Speak to Me“(Mason) 1:08
2. “Breathe” (Gilmour/Waters/Wright) 2:48
3. “On the Run” (Gilmour/Waters) 3:50
4. “Time” (con “Breathe (Reprise)”) (Gilmour/Mason/Waters/Wright) 7:04
5. “The Great Gig in the Sky” (Wright)4:48
6. “Money” (Waters) 6:24
7. “Us and Them” (Waters/Wright) 7:49
8. “Any Colour You Like” (Gilmour/Mason/Wright) 3:26
9. “Brain Damage” (Waters) 3:50
10. “Eclipse” (Waters) 2:04

Todas las letras fueron escritas por Roger Waters.

Nota: ha habido varias ediciones de este álbum, algunas de las cuales tienen a “Speak To Me” y a “Breathe” unidas, como si fueran un solo tema. En algunos casos la duración de las canciones varía, por la unidad de las mismas.

Nota 2: los créditos que aparecen son atribuidos al álbum que se publicó en 1973.

Créditos

Músicos

• Roger Waters – Bajo, voz, sintetizador, sintetizador VCS3 y efectos de cintas.
• David Gilmour – Guitarra, voz y sintetizador, sintetizador VCS3.
• Richard Wright – Teclados, sintetizador, sintetizador VCS3 y voz.
• Nick Mason – Batería, percusión y efecto de cintas.

Otros participantes:

• Lesley Duncan, Doris Troy, Liza Strike y Barry St. John – Voces y coros.
• Dick Parry – Saxofón en Money y Us and Them.
• Clare Torry – Voz en The Great Gig In The Sky y otros.

Producción

• Producción artística: Pink Floyd.
• Ingenieros de sonido: Alan Parsons, Peter James (asistente).
• Supervisor de mezcla: Chris Thomas.
• Arte de tapa: Hipgnosis.

Edición del 20º aniversario:

• Remasterizado supervisado por James Guthrie.
• Remasterizado digitalmente por Doug Sax en The Mastering Lab, LA.
• Arte de tapa: Storm Thorgerson.
• Fotografía: Tony May y Storm Thorgerson (prismas); Hipgnosis y Jill Furmanovsky (banda en vivo); Hipgnosis (pirámides).
• Fotogramas y rayogramas: Stylorouge y Chris Craske.

Edición del 30º aniversario:

• Ingeniero de sonido y mezcla 5.1: James Guthrie, Joel Plante (asistente).
• Remasterización estereofónica 5.1: James Guthrie, Joel Plante y Gus Skinas (asistentes).
• Arte de tapa: Storm Thorgerson y Peter Curzon, con Dan Abbott y Lee Baker.
• Ilustraciones y arte: George Hardie.
• Fotografía: Ruper Truman (frente), Adrian Maben (interior), Hipgnosis.
• Vitrofusión: Lead and Light.

Mas Informacion en: http://es.wikipedia.org/wiki/Dark_Side_Of_The_Moon.

Fuente: Wikipedia, La enciclopedia Libre

Audio: Álbum Completo The Dark Side of The Moon Pink Floyd.mp3

The Clash – London Calling (1979)

London Calling el tercer disco de The Clash y el que marcó su punto de inflexión comercial y musical, así como el que incorporó finalmente la estética punk a la mitología de la música. La crítica musical suele considerarlo como uno de los mejores discos de la historia del rock, de hecho la revista Rolling Stone lo calificó como el mejor de los años 1980 y como el octavo mejor de la historia. Fue grabado en agosto de 1979 en Londres y publicado en diciembre, aunque en los Estados Unidos se publicó en enero de 1980. Para la época de su lanzamiento, The Clash era una de las bandas punk más importantes pero su situación no era la mejor dado que estaban muy endeudados, sin manager y en guerra abierta contra su discográfica, CBS Records. Durante la primavera y el verano europeos de 1979, Mick Jones y Joe Strummer prepararon la mayoria de las canciones del disco en el departamento de la abuela de Jones, donde éste residía. Luego, la banda pasó tres meses ensayando los temas en un garaje de Londres y, finalmente, grabó el disco doble en agosto de 1979 en los estudios Wessex. El disco fue producido por Guy Stevens, que fallecio poco después de su lanzamiento.

.El estilo musical del álbum es muy variado incluye el punk (“London Calling”), el blues (“Brand New Cadillac”), el ska (“Wrong ‘em Boyo”), la música disco (“Lost in the Supermarket”), el reggae (“The Guns of Brixton”) y el rockabilly (“Rudie Can’t Fail”)

Respecto a las letras, el contenido político y la crítica social se hallan presentes como en todos los materiales de la banda. Específicamente, las canciones que más claramente explotan la temática política son “London Calling”, “The Guns of Brixton” y “Spanish Bombs”, esta última rindiendo homenaje a los revolucionarios y luchadores de la libertad que combatieron en la Guerra Civil Española y los efectos que tuvo ésta en Andalucía. Otros temas abordados en el disco son la soledad consecuente al uso de las drogas (“Hateful”), el materialismo (“Lost in the Supermarket”), el fascismo (“Clampdown”) y la vida de Montgomery Clift (“The Right Profile”).

Canciones del disco:

Todos los temas compuestos por Mick Jones y Joe Strummer excepto los indicados

Disco 1

1. “London Calling” – 3:19
2. “Brand New Cadillac” (Vince Taylor) – 2:08
3. “Jimmy Jazz” – 3:54
4. “Hateful” – 2:44
5. “Rudie Can’t Fail” – 3:29
6. “Spanish Bombs” – 3:18
7. “The Right Profile” – 3:54
8. “Lost in the Supermarket” – 3:47
9. “Clampdown” – 3:49
10. “The Guns of Brixton” (Paul Simonon) – 3:09

Disco 2

1. “Wrong ‘em Boyo” (Clive Alphonso) – 3:10
2. “Death or Glory” – 3:54
3. “Koka Kola” – 1:47
4. “The Card Cheat” (Mick Jones, Joe Strummer, Paul Simonon y Topper Headon) – 3:49
5. “Lover’s Rock” – 4:03
6. “Four Horsemen” – 2:55
7. “I’m Not Down” – 3:06
8. “Revolution Rock” (Jackie Edwards y Danny Ray) – 5:33
9. “Train in Vain (Stand By Me)” – 3:10

Music Playlist at MixPod.com

Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon (1973)

Este es uno de mis discos favoritos de la superbanda britanica de Rock Progresivo Pink Floyd esta considerado como una de sus obras maestras (antes de su disco The Wall de 1979) es un álbum conceptual enfocado sobre una serie de aspectos de la vida moderna como son el nacimiento, el tiempo, el dinero, los conflictos armados, los viajes, las enfermedades de la mente, y la muerte, como presiones cotidianas que pueden conducir a alguien a la locura, teniendo que luchar mucho para no caer en ella.

“Pensamos que podríamos hacer algo sobre las presiones que personalmente sentimos que nos llevan a ir demasiado lejos… la presión de hacer mucho dinero, el tema del tiempo, el tiempo yéndose tan rápidamente; estructuras de poder organizadas, como la Iglesia o la política; la violencia o la agresión. Es una versión musical de ese cliché “Hoy es el primer día del resto de tu vida”. Habla acerca de trabajar por metas que pueden convertirse en engaños” Pink Floyd

Canciones del disco:

1. “Speak to Me ” (Mason) 1:08
2. “Breathe” (Gilmour/Waters/Wright) 2:48
3. “On the Run” (Gilmour/Waters) 3:50
4. “Time” (con “Breathe (Reprise)”) (Gilmour/Mason/Waters/Wright) 7:04
5. “The Great Gig in the Sky” (Wright)4:48
6. “Money” (Waters) 6:24
7. “Us and Them” (Waters/Wright) 7:49
8. “Any Colour You Like” (Gilmour/Mason/Wright) 3:26
9. “Brain Damage” (Waters) 3:50
10. “Eclipse” (Waters) 2:04

Music Playlist at MixPod.com

Led Zeppelin – Houses of Holy (1973)

Quinto disco de la afamada y destacada banda británica Led Zeppellin, en el que se Fusionan desde el hard-rock, pasando por el funk y el reggae, Este disco esta considerado como uno de los discos clásicos (como la totalidad de sus discos) de la historia de la música mundial, El disco contiene 8 canciones, Entre estas canciones se encuentra D’yer Mak’er, indudablemente uno de la canciones más populares del disco. Sin nada que añadir, Es un disco necesario y totalmente indispensable para cualquier apasionado de la música y no exclusivamente del rock.

Canciones del disco:

1. “The Song Remains the Same” (Page/Plant) – 5:28
2. “The Rain Song” (Page/Plant) – 7:39
3. “Over the Hills and Far Away” (Page/Plant) – 4:47
4. “The Crunge” (Bonham/Jones/Page/Plant) – 3:13
5. “Dancing Days” (Page/Plant) – 3:41
6. “D’yer Mak’er” (Page/Plant/Jones/Bonham) – 4:22
7. “No Quarter” (Page/Plant/Jones) – 6:59
8. “The Ocean” (Page/Plant/Jones/Bonham) – 4:30

Carole King – Tapestry (1971)

Este disco es un clásico y es sin lugar a dudas el mejor disco de Carole King, Sobre todo por canciones como So Far Away, It’s Too Late, You’ve Got a Friend, Where You Lead.

Fue lanzado en el año de 1971, después de varios fracasos en la carrera de Carole King, Tanto como solista, como formando parte de conjuntos musicales, Tapestry vendió más de 10 millones de copias, siendo uno de los 15 discos más vendidos de la década de los años 70´s. El disco fue reeditado en CD en 1999 e incluye dos canciones mas como bonus tracks.

Canciones del LP Original:

1. “I Feel the Earth Move” – 2:58
2. “So Far Away” – 3:55
3. “It’s Too Late” (King, Toni Stern) – 3:53
4. “Home Again” – 2:29
5. “Beautiful” – 3:08
6. “Way Over Yonder” – 4:44
7. “You’ve Got a Friend” – 5:09
8. “Where You Lead” (King, Stern) – 3:20
9. “Will You Love Me Tomorrow?” (Gerry Goffin, King) – 4:12
10. “Smackwater Jack” (Goffin, King) – 3:41
11. “Tapestry” – 3:13
12. “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman” (Goffin, King, Jerry Wexler) – 3:49

Canciones de la edicion en CD:

1. “I Feel the Earth Move” – 2:58
2. “So Far Away” – 3:55
3. “It’s Too Late” – 3:53
4. “Home Again” – 2:29
5. “Beautiful” – 3:08
6. “Way Over Yonder” – 4:44
7. “You’ve Got a Friend” – 5:09
8. “Where You Lead” – 3:20
9. “Will You Love Me Tomorrow?” – 4:12
10. “Smackwater Jack” – 3:41
11. “Tapestry” – 3:13
12. “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman” – 3:49
13. “Out in the Cold” – 2:44
14. “Smackwater Jack” [live] – 3:21

Posted in Mi Música Favorita ]]> http://irvingortega78.wordpress.com/2008/10/01/mis-discos-favoritos-discos-de-rock-y-pop-2/feed/ 0 irvingortega78 london-calling Get Music Tracks! Create A Playlist! pink_floyd_-_the_dark_side_of_the_moon_-_front__covertarget_com1 Get Music Tracks! Create A Playlist! led-zeppelin-houses-of-the-holy-back1 Portada del Disco Tapestry de Carole King de 1973 http://irvingortega78.wordpress.com/2008/09/25/mis-discos-favoritos-discos-de-rock-y-pop/ http://irvingortega78.wordpress.com/2008/09/25/mis-discos-favoritos-discos-de-rock-y-pop/#comments Fri, 26 Sep 2008 04:26:16 +0000 irvingortega78 http://irvingortega78.wordpress.com/?p=65 ]]>

The Clash – London Calling (1979)

London Calling el tercer disco de The Clash y el que marcó su punto de inflexión comercial y musical, así como el que incorporó finalmente la estética punk a la mitología de la música. La crítica musical suele considerarlo como uno de los mejores discos de la historia del rock, de hecho la revista Rolling Stone lo calificó como el mejor de los años 1980 y como el octavo mejor de la historia. Fue grabado en agosto de 1979 en Londres y publicado en diciembre, aunque en los Estados Unidos se publicó en enero de 1980. Para la época de su lanzamiento, The Clash era una de las bandas punk más importantes pero su situación no era la mejor dado que estaban muy endeudados, sin manager y en guerra abierta contra su discográfica, CBS Records. Durante la primavera y el verano europeos de 1979, Mick Jones y Joe Strummer prepararon la mayoria de las canciones del disco en el departamento de la abuela de Jones, donde éste residía. Luego, la banda pasó tres meses ensayando los temas en un garaje de Londres y, finalmente, grabó el disco doble en agosto de 1979 en los estudios Wessex. El disco fue producido por Guy Stevens, que fallecio poco después de su lanzamiento.

El estilo musical del álbum es muy variado incluye el punk (“London Calling”), el blues (“Brand New Cadillac”), el ska (“Wrong ‘em Boyo”), la música disco (“Lost in the Supermarket”), el reggae (“The Guns of Brixton”) y el rockabilly (“Rudie Can’t Fail”)

Respecto a las letras, el contenido político y la crítica social se hallan presentes como en todos los materiales de la banda. Específicamente, las canciones que más claramente explotan la temática política son “London Calling”, “The Guns of Brixton” y “Spanish Bombs”, esta última rindiendo homenaje a los revolucionarios y luchadores de la libertad que combatieron en la Guerra Civil Española y los efectos que tuvo ésta en Andalucía. Otros temas abordados en el disco son la soledad consecuente al uso de las drogas (“Hateful”), el materialismo (“Lost in the Supermarket”), el fascismo (“Clampdown”) y la vida de Montgomery Clift (“The Right Profile”).

Canciones del disco:

Todos los temas compuestos por Mick Jones y Joe Strummer excepto los indicados

Disco 1

1. “London Calling” – 3:19
2. “Brand New Cadillac” (Vince Taylor) – 2:08
3. “Jimmy Jazz” – 3:54
4. “Hateful” – 2:44
5. “Rudie Can’t Fail” – 3:29
6. “Spanish Bombs” – 3:18
7. “The Right Profile” – 3:54
8. “Lost in the Supermarket” – 3:47
9. “Clampdown” – 3:49
10. “The Guns of Brixton” (Paul Simonon) – 3:09

Disco 2

1. “Wrong ‘em Boyo” (Clive Alphonso) – 3:10
2. “Death or Glory” – 3:54
3. “Koka Kola” – 1:47
4. “The Card Cheat” (Mick Jones, Joe Strummer, Paul Simonon y Topper Headon) – 3:49
5. “Lover’s Rock” – 4:03
6. “Four Horsemen” – 2:55
7. “I’m Not Down” – 3:06
8. “Revolution Rock” (Jackie Edwards y Danny Ray) – 5:33
9. “Train in Vain (Stand By Me)” – 3:10

Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon (1973)

Este es uno de mis discos favoritos de la superbanda britanica de Rock Progresivo Pink Floyd esta considerado como una de sus obras maestras (antes de su disco The Wall de 1979) es un álbum conceptual enfocado sobre una serie de  aspectos de la vida moderna como son el nacimiento, el tiempo, el dinero, los conflictos armados, los viajes, las enfermedades de la mente, y la muerte, como presiones cotidianas que pueden conducir a alguien a la locura, teniendo que luchar mucho para no caer en ella.

“Pensamos que podríamos hacer algo sobre las presiones que personalmente sentimos que nos llevan a ir demasiado lejos… la presión de hacer mucho dinero, el tema del tiempo, el tiempo yéndose tan rápidamente; estructuras de poder organizadas, como la Iglesia o la política; la violencia o la agresión. Es una versión musical de ese cliché “Hoy es el primer día del resto de tu vida”. Habla acerca de trabajar por metas que pueden convertirse en engaños”

Pink Floyd

Led Zeppelin – Houses of Holy (1973)

Quinto disco de la afamada y destacada banda británica Led Zeppellin, en el que se Fusionan desde el hard-rock, pasando por el funk y el reggae, Este disco esta considerado como uno de los discos clásicos (como la totalidad de sus discos) de la historia de la música mundial, El disco contiene 8 canciones, Entre estas canciones se encuentra D’yer Mak’er, indudablemente uno de la canciones más populares del disco. Sin nada que añadir, Es un disco necesario y totalmente indispensable para cualquier apasionado de la música y no exclusivamente del rock.

Canciones del disco:

1. “The Song Remains the Same” (Page/Plant) – 5:28
2. “The Rain Song” (Page/Plant) – 7:39
3. “Over the Hills and Far Away” (Page/Plant) – 4:47
4. “The Crunge” (Bonham/Jones/Page/Plant) – 3:13
5. “Dancing Days” (Page/Plant) – 3:41
6. “D’yer Mak’er” (Page/Plant/Jones/Bonham) – 4:22
7. “No Quarter” (Page/Plant/Jones) – 6:59
8. “The Ocean” (Page/Plant/Jones/Bonham) – 4:30

Carole King – Tapestry (1971)

Este disco es un clásico y es excelente, y es sin lugar a dudas es el mejor disco de Carole King, Sobre todo por canciones como So Far Away, It’s Too Late, You’ve Got a Friend, Where You Lead.

Fue lanzado en el año de 1971, después de varios fracasos en la carrera de Carole King, Tanto como solista, como formando parte de conjuntos musicales, Tapestry vendió más de 10 millones de copias, siendo uno de los 15 discos más vendidos de la década de los años 70´s. El disco fue reeditado en CD en 1999 e incluye dos canciones mas como bonus tracks.

Canciones del LP Original:

1. “I Feel the Earth Move” – 2:58
2. “So Far Away” – 3:55
3. “It’s Too Late” (King, Toni Stern) – 3:53
4. “Home Again” – 2:29
5. “Beautiful” – 3:08
6. “Way Over Yonder” – 4:44
7. “You’ve Got a Friend” – 5:09
8. “Where You Lead” (King, Stern) – 3:20
9. “Will You Love Me Tomorrow?” (Gerry Goffin, King) – 4:12
10. “Smackwater Jack” (Goffin, King) – 3:41
11. “Tapestry” – 3:13
12. “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman” (Goffin, King, Jerry Wexler) – 3:49

Canciones de la edicion en CD:

1. “I Feel the Earth Move” – 2:58
2. “So Far Away” – 3:55
3. “It’s Too Late” – 3:53
4. “Home Again” – 2:29
5. “Beautiful” – 3:08
6. “Way Over Yonder” – 4:44
7. “You’ve Got a Friend” – 5:09
8. “Where You Lead” – 3:20
9. “Will You Love Me Tomorrow?” – 4:12
10. “Smackwater Jack” – 3:41
11. “Tapestry” – 3:13
12. “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman” – 3:49
13. “Out in the Cold” – 2:44
14. “Smackwater Jack” [live] – 3:21